INTERVISTA A SHAYNA LEIB

APRILE 2021

Shayna Leib

Shayna Leib è un'artista che lavora moltissimi materiali ma con una predilezione per il vetro. Con vent'anni di esperienza alle spalle, nelle sue opere rappresenta molto spesso la natura sotto l'influenza di due degli elementi che più hanno caratterizzato la sua vita: la filosofia e la musica. Nei suoi lavori emerge l'aspetto che più ama del vetro: la capacità di esprimere il movimento congelato in un istante.

All images © courtesy of Shayna Leib and Eric Tadsen

Sito web:https://shaynaleib.com

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Come è iniziata la tua carriera artistica? Hai sempre pensato di dedicarti a questo tipo di carriera?

 

La mia carriera artistica è iniziata per caso, non programmata. Sono cresciuta disegnando e lavorando la ceramica, e poi mi sono avvicinata al vetro, alla scultura e alla pittura negli studi universitari. Ma non mi sono laureata in arte. Ho studiato filosofia europea e letteratura russa, diplomandomi in filosofia e in letteratura e arte. La mia università non offriva una specializzazione in arte a quel tempo, quindi ho preso le lezioni di arte come un modo per interrompere gli studi nel mondo accademico. Stavo per proseguire il mio dottorato di ricerca in filosofia, ma ho cambiato idea e ho deciso di fare domanda per un MFA in belle arti. Con mia grande sorpresa, sono stata accettata nonostante non avessi una laurea in belle arti. Ho frequentato l'Università del Wisconsin-Madison e ho iniziato a concentrare i miei studi su vetro e metallo. Il corpo di lavoro che ho sviluppato in quel periodo è stato l'inizio della serie Wind & Water.

Mi sono trasferita un po' dopo la scuola di specializzazione, lavorando come orafa nel Maine, e poi sono tornata in California per insegnare disegno e scultura. Mentre ero lì, ho iniziato a cercare lavori che si concentrassero maggiormente sul vetro e ho ottenuto un colloquio con un'azienda di vetro architettonico a Louisville, KY. Mi hanno presentato una galleria nello stesso edificio che per caso stava allestendo una mostra di artisti emergenti. Ho presentato alcuni dei miei lavori di scuola di specializzazione e li ho venduti. È stato il primo momento in cui ho effettivamente considerato la possibilità di lavorare come artista a tempo pieno. Alla gente viene sempre detto che pochi hanno quello che serve per diventare un artista professionista, quindi non mi ero permessa di sognare in quella direzione fino a quel momento. Una vendita si è trasformata in un'altra, si è trasformata in una nuova galleria e poi in una carriera.

Nei tuoi lavori usi materiali diversi ma il vetro è sicuramente il più utilizzato. Perché hai scelto un materiale del genere per rappresentare una serie come Wind and water?

 

Il vetro possiede una fragilità intrinseca e una qualità effimera che imita più da vicino le qualità della natura. La serie Wind and Water si concentra sui momenti congelati nel tempo, in cui la natura viene catturata in fermo immagine. Allo stesso modo, il vetro è sospeso in movimento attraverso il processo di raffreddamento da fuso a solido. È stato un abbinamento perfetto.

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Alcuni tuoi lavori sono strutturati su una parete bidimensionale, come un quadro, da cui escono le tue sculture in vetro, perché hai scelto questo tipo di rappresentazione?

 

Penso che il regno tra 2D e 3D sia sottoutilizzato nell'arte. Le mie radici risalgono al disegno che inizia e finisce sul muro. Ma mentre mi avvicinavo alla scultura, mi è piaciuta l'idea di avere l'arte di fronte al pubblico sul piano coronale, avvicinandosi a loro.

 

In un'intervista, definisci la musica come una metafora del tuo lavoro. Cosa intendi con questa frase? Quale sarebbe la perfetta colonna sonora in grado di accompagnare il visitatore nella tua mostra ideale?

 

La musica è un insieme di suoni che possono essere vissuti nel loro insieme o come parte. L'ascoltatore può cambiare la propria consapevolezza tra una singola voce o strumento, al suono dell'intera orchestra. Le migliori composizioni bilanciano un focus tra minuzie e gestalt. Creo arte con la stessa attenzione alla parte-tutto. Ripeto elementi in un paesaggio in movimento, ma ognuno dei migliaia di piccoli pezzi forma sezioni diverse dove virano in un'altra direzione, come una sottoformale. Alcuni dei miei lavori registrano un modo a distanza, ma man mano che ti avvicini, diventa più dettagliato, quasi frattale, poiché ogni elemento diverso fa ancora parte del tutto ma conserva un'unicità individuale.

All'inizio della serie (anni 2000), stavo ascoltando Philip Glass e Aphex Twin. Tendo a creare in questi giorni con Rachmaninoff o Holst. Non posso consigliare una colonna sonora perfetta per il mio lavoro, ma posso dirti quale musica stavo ascoltando quando ho creato i seguenti pezzi:

 

"Acadia" - Rachmaninoff's the Bells e Wojciech Kilar

"Sunset over the Tundra" - L'album Involver di Sasha. Questo pezzo è legato ai ricordi di vivere su un'isola al largo della costa del Maine durante l'inverno e quella colonna sonora è l'album Involver

"Stiniva 1" - Holst's The Planets

"Break": musica degli anni '90 come Limp Bizkit, Korn, Linkin Park (ero di umore nostalgico)

"Harmattan" - Requiem di Mozart

"Meltemi" - la Nona di Beethoven

 

Quando lavoro nell'hotshop (vetro soffiato) sono Crystal Method, Chemical Brothers, Sub Swara, Modeselektor, Missy Elliot

Quando macino il vetro, di solito è Jane's Addiction o Led Zeppelin

Quando lavoro a lume, di solito sono anni '80 o commedia

Quando sto illustrando è reggae

La musica non è mai un'esperienza positiva per me come penso lo sia per molte persone. Faccio fatica nei negozi quando mi viene imposto, o in macchina con qualcuno, motivo per cui non vorrei una colonna sonora per la mia mostra. Evoca cose che a volte non sono in vena di provare, soprattutto se voglio essere sciocca e spensierata. Ma il lato positivo è che definisce davvero parti della mia vita e la sensazione del mio lavoro se sono dell'umore giusto per lasciarlo fare. Spesso lavoro a commedie o podcast.

 

Hai raccontato spesso del lungo processo che sta dietro alle tue opere in vetro; Trovo molto interessante anche la scelta dei colori. Puoi parlarci di questi aspetti?

 

Uso il colore in molti modi, alcuni abbastanza letterali e altri più interpretativi. Quando mi concentro sulla raffigurazione di un pezzo "Vento" ed è un vento freddo, scelgo il bianco per rappresentare praterie innevate o gelate, o una leggera tonalità giallastra per riflettere il tono del sole sulla neve al sorgere o al tramonto. ("Tramonto sulla tundra"). Uso il verde per le praterie e il blu per i pezzi d'acqua nella serie idrocinetica. A volte il colore è più interpretativo, come il giallo e l'arancio per i venti caldi che provocano una stagione degli incendi ("Diablo"), o il rosso per pezzi come "Harmattan" e "Scirocco" che sono venti che trasportano polvere rossa attraverso deserti e praterie aride. Uso anche la temperatura dell'acqua per guidare la mia combinazione di colori. I pezzi ispirati alle calde acque tropicali assumono tonalità più luminose e quelli nelle acque più fredde ottengono argento, verde e tonalità più fredde.

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Le serie Patisserie e Remnant sono davvero sorprendenti. Come è nata l'ispirazione per questi progetti?

 

La serie Remnant è la più vecchia del mio lavoro ed è iniziata all'università. Mi ero appena trasferita in Wisconsin e mi trovavo di fronte a una cultura della caccia, che era molto diversa dalla cultura con cui sono cresciuta in California. Ero vegetariana e amante degli animali da 18 anni e stavo cercando di elaborare la cultura della caccia e della cattura del Midwest. Ho visto il valore negli animali non per quello che potevano darti del loro corpo, ma solo per essere integri e vivi. Ho iniziato a creare queste fragili forme in vetro che poi ho mangiato con la sabbiatrice per ore, creando una preziosa, vuota, bellissima buccia. Era un'istantanea di quel periodo della mia vita.

Anche la serie Patisserie era personale per me, dato che avevo a che fare con alcune gravi intolleranze alimentari al momento della creazione della serie. Per circa 6 anni ho potuto mangiare solo una dozzina di cibi. L'impatto sulla mia vita è stato devastante e stavo cercando di far fronte alla perdita. Ironia della sorte, la scelta di creare dessert in vetro e ceramica ha fatto qualcosa al mio cervello che mi ha aiutato a farcela. Ho iniziato a vedere il cibo come forma e sezionarlo con l'occhio di un artista. Ha reso più facile passare tra le cioccolaterie e le esposizioni di dolci perché avrei immediatamente aggirato il mio stomaco e avrei analizzato in questo modo come potevo raffigurarlo e quali materiali e tecniche avevo bisogno di usare. Mi piaceva anche l'idea di stuzzicare il mio pubblico. C'era una simmetria. È stata una soddisfazione irraggiungibile per entrambi.

La serie Patisserie è stata una vera gioia, nonostante la pesantezza nascosta dietro di essa. Avevo così tanta energia per quella serie, specialmente la parte americana dove potevo aggiungere un po 'di fantasia e umorismo. Ho provato molte tecniche e, in alcuni casi, ho usato i miei denti per mordere pezzi di argilla (le orecchie del coniglio, il sedere del coniglio e il panino con il gelato) in modo da mantenere le cose divertenti, sperimentali e nuove. Ho preparato dei dolci personali, come il frozen yogurt che prendevo dopo un difficile appuntamento da ortodontista: vaniglia con orsetti gommosi e lampone con frutti di bosco. Ho anche potuto approfondire ogni singolo aspetto della produzione del vetro che avevo imparato in 25 anni e riportare alcune tecniche che non utilizzavo da decenni. Non credo che avrei potuto portare a termine la parte americana di quella serie in una fase precedente della mia carriera, poiché dipendeva da una conoscenza di così tante tecniche e materiali.

 

Ci sono artisti del passato che ti hanno ispirato o anche qualcuno del presente che apprezzi particolarmente?

 

Ho migliaia di immagini nella mia collezione di opere ispiratrici, ma ce ne sono state solo alcune che hanno davvero avuto un impatto. Le opere di mokume gane di Ryuhei Sako mostrano una completa padronanza del metallo. Le opere monolitiche di Takahiro Kondo con rugiada d'argento mi hanno fatto fermare e fissare più a lungo di quanto non facessi da anni. Ammiro la tecnica e il lavoro dei vasi di porcellana di Hitomi Hosono. Vado pazza per i capolavori di dessert in ceramica di Anna Barlow. L'ho incontrata in uno spettacolo che abbiamo fatto insieme in Francia. La lavorazione del vetro di Maude Bussieres è ancora qualcosa a cui penso regolarmente. Tendo ad apprezzare una certa estetica che sia radicata nel tipo di artigianato e lavoro che sono alla base di una profonda conoscenza e pratica con un materiale. Tutti quegli artisti hanno una maestria che viene portata a un livello diverso. Non è qualcosa che il pubblico in generale sarebbe in grado di vedere, necessariamente. È quasi arte per gli artisti con quello che riescono a realizzare.

 

A cosa stai lavorando adesso?

 

Di recente ho finito di scrivere e illustrare un libro per bambini che ha richiesto circa 3 anni per essere completato. Le illustrazioni sono molto dettagliate e per crearne alcune è stato necessario un mese. È attualmente in fase di revisione da parte degli editori. È stato difficile tornare alle mie radici bidimensionali con le matite colorate. Anche se ne sono orgogliosa, sono infinitamente più a mio agio con il vetro e la ceramica.

Sto anche lavorando a un lavoro incrociato che combina un po 'di metallo e vetro. È un progetto per un museo per bambini locale a Madison.

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