INTERVISTA A GUADALUPE PLAZA PETERSEN

  

  Quando ti sei interessato alla fotografia? Cosa ti ha attratto all'inizio?

Si potrebbe dire che dopo una serie di fallimenti sistematici che erano radicati nell'idea di cosa dovrebbe essere, è stato un piccolo tuffo nel diritto, nella filosofia e nelle comunicazioni, che mi ha portato ad avvicinarmi e trovare la mia passione per l'arte e la fotografia. .

A casa si parlava sempre di arte e musica, io studiavo pianoforte e chitarra, l'intellettualità di mio padre e l'umanità e la sensibilità di mia madre sicuramente hanno aiutato in questo processo.

E fu così che mi immersi in quel mondo dal quale non potrei più allontanarmi da quel luogo di pienezza e godimento assoluto che implica lo scatto, la macchina fotografica e l'arrendersi al lavoro quotidiano della creazione, il riflesso che risveglia quel mondo interiore ed esteriore di bellezza e orrore, subito.

Mi sono ispirata ad artisti come Marina Abramovic, Louise Bourgeois, Cindy Sherman, Pipilotti Rist tra gli altri.

È così che mi sono formata tra l'Argentina e l'Italia e ho vinto una borsa di studio dall'ambasciata indonesiana per una specializzazione in fotografia lì sull'isola di Hava.

 

Fin dall'inizio il mio lavoro si è sviluppato su due assi: l'auto-referenziale e l'estetico. I miei temi ricorrenti ruotano attorno alla violenza e alle critiche sociali che definiscono la mia ricerca dell'estetica.

Dal mio viaggio in Asia, la mia idea di fotografia come arte è cambiata. mi sono sentita attratta da situazioni, culture, costumi e idiosincrasie, sempre con un senso di estremo. L'audacia è il mio modo di avvicinarmi alla fotografia.

Nella serie Registros y de(s)amor ho voluto sperimentare il fatto di essere fotografata, non solo essere dietro la macchina da presa e scattare, ma anche l'essere coinvolti come parte del lavoro, usando il corpo, come azione e linguaggio.

De(s)amor è stata una serie di fotografie, durata 7 anni, narrate in sequenze, della mia personale storia autobiografica e domestica di atemporalità delle dinamiche individuali, con un'impronta che va oltre il

documentario stesso. Esplora elementi dell'irreale, sognante e fantastico, con un forte senso estetico.

L'immagine è necessaria per pensare al reale, all'abituale e all'immaginario che sostengono il nostro mondo, il nostro desiderio e il nostro dolore.

 

 Il tema che affronti in Ritorno al Paradiso è oggi fondamentale tra artisti. Cosa ti ha spinto ad affrontarlo? Cosa vuoi comunicare?

 

"Return to Paradise", facendo un piccolo riferimento a questo periodo dell'Antropocene, è una serie che funziona come punto di incontro, per ripensare e superare questa separazione dell'umanità dall'ambiente, per farci riflettere sull'urgenza climatica, generare consapevolezza e responsabilità ambientale con il pianeta che ci contiene e che abitiamo.

E' la domanda: a che punto siamo in questo mondo simbiotico, vicino a questo futuro comune? Mi piace lavorare prima sulla base di un concetto o di un'idea. Nel processo di interazione tra il mio epicentro e la periferica, è vitale per la creazione della mia arte e per il suo rinnovamento. Riflettere sulla connessione tra pietre miliari come l'età adulta, la vita, la morte e il modo per ordinarle, scrutarle, generando un cambiamento, una mutazione, una rigenerazione, che a volte arriva involontariamente.

Citando Verónica García: Nell'esercizio quotidiano che fanno gli artisti, di riconoscere noi stessi in immagini che sorgono molte volte, non sappiamo proprio da dove, lì è sempre la possibilità di saltare. Arrendersi al vuoto. Dai tutto per qualcosa che non sappiamo nemmeno esista. 

Volevo sperimentare il fatto di non essere al centro come nelle altre mie serie, perdere la concentrazione, concentrarmi su qualcosa di diverso da me stesso, ed è stata una sfida, lavorare con il paesaggio senza cadere nel luogo comune, ottenere fuori di me, semplicemente stando dietro la macchina da presa e scattando senza essere coinvolti come parte del lavoro.

 

 Quanto influisce la post-produzione sulle tue fotografie?

Abbastanza, quasi completamente, c'è molto lavoro di post-produzione; nelle

immagini non aggiungo o tolgo mai, se modifico; penso che l'intersezione tra i mestieri e le arti sia ormai qualcosa di necessario e quotidiano per l'Arte Contemporanea.