INTERVISTA A SCHALK VAN DER MERWE

MAGGIO 2020

Schalk van der Merwe è un'artista originario del Sud Africa. I suoi ritratti Viscerali non sono figli di un processo cognitivo ma sono l'espressione sensibile ed emotiva che ricerca la verità rappresentata su tela o carta con materiali ogni volta diversi.

All images © courtesy of Schalk van Der Merwe

Sito web:www.svdmstudio.com

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Trovo molto interessante il pensiero dietro la scelta dei titoli, ad esempio Visceral è una parola che ritorna molto spesso non solo nei titoli ma anche nelle dichiarazioni, cosa puoi raccontarci al riguardo?

 

La parola "Visceral" è estremamente importante per me e il mio processo. La stessa parola si riferisce a "relazionarsi con sentimenti interiori profondi piuttosto che con l'intelletto". Questo sentimento gutturale e crudo è da dove proviene il mio lavoro. Con ogni quadro cerco di scoprire e scatenare qualche verità o emozione. Queste emozioni possono variare dall'estrema felicità alla totale disperazione. Alla fine, sono solo il veicolo. I dipinti sono sempre stati lì, dormienti, aspettando solo di essere rivelati sulla mia tela.

C'è un profondo senso di empatia, una forte carica emotiva che deriva dall'osservare i tuoi dipinti e i soggetti, che sono ritratti in modo tale da non riconoscerne quasi le caratteristiche. Pensi che questo sia uno dei motivi per cui il pubblico si sente così impressionato dalle tue opere? E' come se si vedesse in quei ritratti?

La somiglianza o il riconoscimento non sono mai stati importanti per me. Le mie opere non si basano su razza, cultura, religione o sesso. Penso che questa ambiguità renda il mio lavoro più accessibile a tutti. Dipingo emozioni, non ritratti. Quando guardi un dipinto di un paesaggio o di una natura morta, ti senti sempre come un osservatore, un testimone silenzioso. Con i miei ritratti, c'è un certo livello di coinvolgimento, soprattutto se il soggetto ti sta fissando. Sento che tutti possiamo vedere parti di noi stessi nei ritratti. Diventano specchio della nostra stessa vita.

Ho letto in una tua dichiarazione che la tua arte non nasce da un processo cognitivo e mi chiedo quale sia lo sviluppo? Come nascono i tuoi quadri? Sono episodi, momenti che ti ispirano, gente?

 

Penso molto al mio lavoro, ma quando entro nel mio studio e inizio a interagire con i materiali e la tela, si tratta solo di fiducia e di arrendersi al processo. Dipingo e basta. Non penso mentre faccio fisicamente segni sulla tela o sulla carta. Reagisco alla musica che suona, alla luce nel mio spazio, al mio stato emotivo e ai materiali. L'eccesso di pensiero a volte può distruggere il processo creativo. Queste immagini mi vengono come fugaci fantasmi. Non so mai cosa verrà rivelato. Ogni dipinto è una scoperta per me.

Quanto pensi che la tua arte sia cambiata rispetto alle sue origini. C'è qualche idea particolare che vorresti sviluppare in futuro?

 

Tecnicamente il mio lavoro si è evoluto molto. L'essenza del mio lavoro ha sempre riguardato l'espressione veritiera. Non importa quanto sia scomodo esprimere o testimoniare come spettatore. Crescendo nell'apartheid in Sudafrica, ero circondato da bugie e disinformazione. Queste circostanze, mi hanno costretto a cercare sempre la mia verità.

 

Ci sono artisti contemporanei di cui apprezzi le opere?

Jenny Saville, Antony Micallef, Mary Sibande, Andrew Salgado, William Kentridge, Michael Reeder, Mothmeister, Johan van Mullem, Jeremy Geddes, Jake Wood Evans, Emile Melmoth.

Quali artisti senti che ti abbiano ispirato maggiormente nella tua carriera? Non parlo solamente del campo strettamente legato alla pittura, so che negli anni 90 cantavi in una serie di band indipendenti, quindi magari anche in campo musicale.

Arte e musica sono sempre state nella parte essenziale della mia vita. Da Francis Bacon, Salvador Dali, Goya, Rembrandt, copertina in vinile, Pierneef ad Abba, Kiss, Tool, The Doors, Pink Floyd, Miles Davis, Elvis e Arctic Monkeys, per citarne alcuni. Per me, la musica e l'arte non dovrebbero essere etichettate e messe in scatole. Dovrebbero semplicemente essere vissuti e goduti, incondizionatamente, per quello che sono.

Trovo la scelta dei colori nei tuoi ritratti molto affascinante. Il bianco e nero prevalente è sferzato da colori vivaci come il rosso e il blu. Pensi che ci sia un parallelismo tra questo contrasto creato dai colori e il contrasto che l'osservatore sente nell'essere attratto da volti che mostrano un senso di tristezza e malinconia?

 

Uso letteralmente qualsiasi materiale o colore a portata di mano. Ho lasciato che il mio stato emotivo dettasse le scelte di colore. Se riesco a catturare le emozioni rilevanti in un dipinto con una tavolozza monocromatica, è così che apparirà il dipinto. Le mie scelte di colore non sono premeditate, si evolvono insieme alla pittura. A volte, meno, è davvero di più.

 

Lavori molto tra gli Stati Uniti e l'Inghilterra; quanto è importante per un artista contemporaneo lavorare fuori dal proprio paese?

 

Dieci anni fa, era sicuramente più difficile portare il tuo lavoro nel mercato globale dell'arte. Con l'enorme boom dell'era digitale, tutto è cambiato. Tante piattaforme incredibili si sono aperte e consentono agli artisti di mostrare il loro lavoro a livello globale. Se utilizzato correttamente e in modo selettivo, qualsiasi artista può ora inserire la propria arte nelle migliori gallerie, fiere e collezioni private. I giorni di attesa per essere scoperti sono passati da tempo. Portare il tuo lavoro davanti a un pubblico internazionale è essenziale. Non solo imparerai molto sull'industria dell'arte, ma ti fornirà incredibili intuizioni sul tuo lavoro.

 

Hai qualche nuovo progetto futuro a cui stai lavorando?

Troppi. La prima priorità è espandere il mio spazio in studio. Uno studio più grande mi consentirà la libertà di creare opere ancora più grandi e iniziare a esplorare diversi mezzi come la scultura e i pezzi di installazione. Guarda questo spazio.